"Die schönsten Werke der Romantik" Richard Strauss, Edvvard Grieg- CD GJ 2004  

Carmen Daniela Klavier
Barbara Marcinkowska Violoncello  

Barbara Marcinkowska stammt aus einer Warschauer Musikerfamilie. An der Chopin-Akademie ihrer Heimatstadt legte sie 1970 ihr Konzertexamen als Schülerin von Arnold Rezler ab. Ihre künstlerische Karriere begann 1968 als 1. Cellistin des polnischen Radio-Sinfonieorchesters. International wurde sie als Mitglied des "Warschauer Trios" bekannt.
Bestimmend führ ihre künstlerische Ausrichtung wurde jedoch die Begegnung mit Andre Navarra im Jahre 1977. Die langjährige Zusammenarbeit mit Navarra floss nicht nur in die Perfektionierung ihres Cellospiels ein, sondern wurde auch in ihrer Dissertation, mit der Marcinkowska an der Pariser Sorbonne promovierte, thematisiert. Barbara Marcinkowska lebt seit dieser Zeit in Frankreich, ist aber international als Solistin tätig. Mehrfach hat sie bereits selbst Meisterkurse geleitet. Derzeit wirkt sie als Professorin am Conservatorium von Versailles.
Barbara Marcinkowska spielt ein Violoncello aus der Werkstatt von Jean Bauer aus dem Jahre 1987.

Richard Strauss wurde am 11. Juni 1864 in München geboren. Er starb am 9. September 1949 in Garmisch. Schon früh hatte er Klavier und Geige gelernt, und von 1875 bis 1880 nahm er Kompositionsunterricht beim Hofkapellmeister Friedrich Wilhelm Meyer, der  seinem Lehrplan dieKompositionsschule von Ernst Friedrich Richter zugrundelegte. Ein Konservatorium hat Strauss nie besucht. Seit 1881 wurden verschiedene seiner Kompositionen öffentlich aufgeführt. In dieser Zeit komponierte er auch seine Cellosonate F-Dur op. 6, die noch viele Stil-Adaptionen seiner großen Komponisten-Vorbilder anklingen läßt. Man vermeint Beethoven und Schumann zu hören, und im Schlußsatz erklingt thematisches Material von Mendelssohn-Bartholdy. Als Strauss einige Jahre später zu seinem eigenen Kompositionsstil und zu seiner persönlichen Musiksprache gefunden hatte, stand er seinem Jugendwerk fremd gegenüber: Ende März 1890 führte er im Lisztverein zu Leipzig nach längerer Zeit seine Cellosonate auf, „...was mir furchtbar komisch vorkam, so mit allem Ernst den Leuten ein Stück vorzuspielen,  an das man selbst nicht mehr glaubt“.

Edvard Hagerup Grieg wurde am 15. Juni 1843 in Bergen geboren. Nach erstem Unterricht in Norwegen gelangte er 1858 an das Leipziger Konservatorium und bekam hier eine solide Ausbildung im Sinne der klassisch-romantischen Tradition. Seine Lehrer waren in dieser Zeit Moritz Hauptmann, Ignaz Moscheles, Ernst Friedrich Richter und Karl Reinecke. Die in der Ausbildung erworbenen Kenntnisse erweiterte er bei mehreren Reisen durch Deutschland und Italien. Studien bei Niels W. Gade und der geistige Austausch mit Richard Nordraak brachten Grieg in seiner Kompositionssprache auf den Weg  zum norwegischen Nationalstil.   Ab dem Jahre 1873 konnte er sich dank eines Staatsstipendiums, aber auch aufgrund des zunehmenden finanziellen verlegerischen Erfolges seiner meist kurzen Klavierstücke ausschließlich dem Komponieren widmen. Grieg starb am 4. September 1907 in Bergen.
Edvard Grieg schrieb nur wenige kammermusikalische Werke: Drei Sonaten für Geige und Klavier, ein Streichquartett, schließlich die Sonate für Klavier und Violoncello  a-Moll  op. 36. Die Cellosonate scheint dabei einige der Vorzüge ihrer Gattungskollegen auf sich vereinigen können: Sie geht fast verschwenderisch mit der Fülle des norwegischen Melodiengutes um. Die Sonate ist außerordentlich klangschön auf den Ambitus des Soloinstrumentes maßgeschneidert. Der Cellopart fügt sich hervorragend in die vom Pianisten  Grieg wohlüberlegt „instrumentierte” Klavierstimme ein. Trotz dieser Vorzüge stand  Grieg seinem eigenen Werk später selbstkritisch gegenüber. Seinem ihm schmeichelnden Biographen G. Schjelderup erwiderte er einmal: „Was die größeren Werke angeht, so glaube ich, daß Sie zu meiner Cellosonate, die ich nicht so hoch schätze, weil sie keinen Fortschritt in meiner Entwicklung bedeutet, zu höflich sind”.   

                 


"Die schönsten Klavier-Suiten" J.S. Bach, Claude Debussy, George Enescu - CD GJ 2005

Carmen Daniala Klavier 

Carmen Daniela vereinigt  bei dieser Veröffentlichung drei äußerlich recht unter- schiedliche Kompositionen, die ihre gemeinsame Wurzel in einem ähnlichen Gattungsver- ständnis haben: Johann Sebastian Bachs „Französische Suite Nr. 5“ G-Dur, die „Suite  bergamasque“ von Claude Debussy wie auch schließlich die „Suite pour piano“ op. 10 von Georges Enesco verwenden den Begriff „Suite“ noch in Anlehnung an den ursprünglichen Wortsinn. Bei allen drei Komponisten vereinigt die Suite eine bestimmte Anzahl stilisierter Tänze.

Johann Sebastian Bach (1685-1750)  schrieb seine „Suites pour le clavecin“  – der Titel „Französische Suiten“ stammt nicht vom Komponisten selbst –  in seiner Köthener Zeit, also Anfang der 1720er Jahre. Im Gegensatz zu den „Englischen Suiten“ Bachs, denen jeweils ein Vorspiel vorangestellt ist (Originaltitel: „Suites avec Prélude“), verzichten die Französischen Suiten auf einen Eröffnungssatz und beginnen unmittelbar mit den Tanzsätzen. Die Suite Nr. 5 G-Dur ist noch an vielen Stellen durchpulst von ursprünglicher tänzerischer Beschwingtheit. Streng von ihrer Stimmführung her gibt sich die Allemande; umso wirkungsvoller ist der Kontrast zur flink im Sechzehntelfluß durchlaufenden Courante. Die nachfolgenden Stücke tragen jeweils den Charakter ihres namensgebenden Gesellschaftstanzes: Gravitätisch schreitet die Sarabande, grazil wirkt die Gavotte, auf eine flüchtig passierende Bourrée folgt die zeremoniös-strenge, altfranzösische Loure. Einen besonderen virtuosen Akzent setzt die Gigue, die den Springtanz von der Tanzfläche auf die Klaviatur verlegt.

Claude Debussy (1862-1918) entwarf die „Suite bergamasque“ im Jahre 1890, unterwarf sie aber bis zu ihrer Drucklegung im Jahre 1905 noch zahlreichen Überarbeitungen. Den ungewöhnlichen Titel bezieht Debussy von einem Gedicht seines bevorzugten Dichters Paul Verlaine, in dem dieser ein Wortspiel von "masques et bergamasques" benutzt. Damit wird zugleich auf die Landschaft um Bergamo angespielt, die als klassische Stätte der Commedia dell'arte, der italienischen Stegreifkomödie, gilt. Debussys „Suite bergamasque“ ist von der An-lage her klassisch. Unter den traditionell benannten Sätzen „Prélude“, „Menuet“ und „Pas-sepied“  – letztere atmen an vielen Stellen den stilisierten Charakter ihrer alten Tanzfor-men –  ragt jedoch das „Clair de lune“ hervor. Während Debussy dieses „Mondlicht“ auf ein „Liebespaar im Flieder“ in Anlehnung an das gleich betitelte Gemälde von Chagall fallen läßt, kann sich der Hörer aber auch durchaus in einen metrisch fast unfaßbaren nächtlichen Elfentanz hineinversetzen. Debussy möchte symbolisches Verfließen von Seelischem und Naturhaftem, von Realem und Irrealem, aber dennoch in der geistigen Welt Vorhandenem, ausdrücken. Als „Nachtstück“ ist das „Clair de lune“ eine impressionistische Antwort und Fortführung der Chopinschen Nocturnes.

George Enescu (1881-1955) gilt heute als der wohl bedeutendeste rumänische Komponist des 20. Jahrhunderts. Seine Berühmtheit gründet sich gleichermaßen auf seine Tätigkeit als Violinist (Yehudi Menuhin zählte zu seinen Schülern) und als Komponist, dessen Gesamtschaffen fast alle wichtigen Gattungen umschließt. Im westlichen Europa wird sein Name durch seine zahlreichen Aufenthalte besonders in Paris häufig in der französisierten Fassung „Georges Enesco“ angegeben.
Seine in den Jahren 1901 bis 1903 geschriebene 2. Klaviersuite op. 10 entstammt ihrem Geiste nach einer  besonders intensiven Beschäftigung mit Bachscher Musik.  Als gefeierter Violinvirtuose errang Enescu seine größten Erfolge mit Bach-Interpretationen. Der hier vorgestellten Suite ging eine erste „Suite în stil vechi“ (Suite im alten Stil; 1897) voraus, die im Aufbau und in der Tonsprache bewußt klassizistisch gehalten war.
Formal ähnelt die Suite der zeitgleich entstandenen von Debussy: Auf einen Eröff- nungssatz - hier eine Toccata - folgen eine feierlich getragene, bald in Figurationen aufbrechende Sarabande, eine vielfach ausgezierte und hiermit an die barocke Praxis anknüpfende Pavane, schließlich eine mit folkloristischen Pattern durchzogene Bourrée, die den beschwingten Kehraus bildet. Enescus Abkehr vom Tanzhaften findet mehr „zwischen den Zeilen“  – ähnlich wie bei Bach –  und nicht schon in der äußeren Programmatik wie in Debussys „Clair de lune“ statt. Viele Elemente  – etwa die im Pianissimo dahinhuschenden Partien der Pavane –  lassen aber deutlich Enescus Eintauchen in das musikschaffende Paris der Jahrhundertwende heraushören.                                                                                                               
(Christoph Dohr)

"Die schönsten Klavierwerke" Ludwig van Beethoven - GJ 2007

Carmen Daniala Klavier

Sechs Variationen Op. 34
1. Adagio 1‘47”
2. Variation 1 L‘istesso Tempo 1‘45“
3. Variation 2  Allegro man non troppo 1‘05“
4. Variation 3  Allegretto 1‘06“
5. Variation 4  Tempo di Mennetto 1‘53“
6. Variation 5  Marcia Allegretto 2‘38“
7. Variation 6  Allegretto 4‘17“

Op. 78
8. Adagio cantabile 6‘45“
9. Allegro vivace 2‘59“
Sieben Bagatellen Op. 33
10. Andante grazioso 3‘51“
11. Scherzo 2‘31“
12. Allegretto 1‘59“
13. Andante 4‘11“
14. Allegro man non troppo 3‘04“
15. Allegretto quasi andante 4‘34“
16. Presto 1‘53“

Sonate Op. 109
17. Vivace man non troppo 3‘45“
18. Prestissimo 2‘32“
19. Andante molto cantabile 2‘43“
20. Variation 1  Molto espressivo 2‘20“
21. Variation 2  Leggieramente 1‘14¶“
22. Variation 3  Allegro vivace 0‘26“
23. Variation 4  Un opco meno... 2‘31“
24. Variation 5  Allegro ma non troppo 0‘56“
25. Variation 6  Tempo primo del  teme 3‘24


So verschiedene Charaktere kann Beethovensche Klaviermusik haben: Carmen Daniela vereinigt auf ihrer ersten reinen Beethoven-CD bei G & J Records vier Klavierstücke des Klassikers, von der scheinbar „leichten“ Klassik bis hin zum von der Gedankenführung und Technik her schwierigen Spätwerk.
Im Jahre 1802 hatte Beethoven an seinen Verleger geschrieben. „Ich habe zwei Werke Variationen gemacht, wovon man das eine auf acht Variationen berechnen kann, und das andre auf 30  -  beide sind auf einer wirklich ganz neuen Manier bearbeitet, jedes auf eine andere verschiedene Art (...). Jedes Thema ist darin für sich auf einer selbst vom andern verschiedene Art behandelt“.
Mit diesem Brief bot Beethoven neben den Eroica-Variationen op. 35 die hier eingespielten „Sechs Variationen über ein Original-Thema“ F-Dur op. 34  zum Druck an. Er hatte die Zahl der Variationen wohl aus Honorar-Gründen etwas länger als tatsächlich angegeben. Die F-Dur-Variationen waren wenig zuvor vollendet worden. Neu an diesem Zyklus ist, daß sich die ersten fünf Variationen voneinander sowohl in der Tonart wie im Tempo unterscheiden. In seinen Skizzen zu den Eroica-Variationen versah Beethoven zwei Takte des Themas von op. 34 mit der Bemerkung: „Jede Variation mit einer unterschiedlichen Taktvorzeichnung oder aber Passagen bald in der linken, bald fast dieselben oder verschiedene in der rechten Hand“. Die letzte Variation steht jedoch wieder in der Grundtonart F-Dur; ihr folgt ein reich angelegtes Adagio. Bestimmend für den Charakter dieses Variationszyklus ist die Erzeugung einer feinen, als lyrisch zu bezeichnenden Expressivität, die die technischen Raffinessen allein in den Dienst des Ausdrucks stellt. Beethoven zeigt in diesem Zyklus, daß Thema und Variationen auch als eigenständige Gattung und nicht nur als Einzelsatz einer Sonate Bestand haben.
Von gänzlich anderer Dimension sind die ebenfalls im Jahre 1802 komponierten sieben “Bagatellen“. Manche davon sind sehr leicht zu spielen -- etwa die erste, die dritte und die sechste. Dann wiederum gibt es Stellen, in denen man meint, Beethoven verharmlose seine eigene Kunst und stelle das Licht seiner genialischen Einfälle unter den Scheffel: Gar nicht schülerhaft ist etwa die „verrückte“ Wiederholung der viertaktigen Themas in der dritten Bagatelle (D-Dur folgt unvermittelt auf F-Dur). Kapriziös mutet das Nicht-mehr-weiter-Wissen gegen Ende der fünften Bagatelle an,wo Beethoven den „Motor“ aber wieder mit dem richtigen Dreh flott bekommt. Die siebte Bagatelle hätte in ihrer Aphoristik und Stringenz manchem zweitklassigen Komponisten schon zur Meisterschaft gereicht.
Bald zwei Jahrzehnte später entstand schließlich das letzte hier vorgestellte Stück, die 1820 komponierte  Sonate E-Dur op. 109. Das 1821 der damals neunzehnjährigen Maximiliane von Brentano gewidmete Werk hat drei Sätze. Der „Vivace ma non troppo“ überschriebene Kopfsatz lebt vom Gegensatz zu den „Adagio expressivo“ überschriebenen Teilen. In ersterem kann sich die Melodielinie nur schwer gegen die zerstörerisch monoton arbeitenden Akkordbruchstücke behaupten, das Folgende ist in seiner diffizilen Feingliedrichkeit ein denkbar starker Kontrast dazu. Eine Vermischung von Scherzo und Sonatenhauptsatzform ist das unmittelbar folgende Prestissimo. Im Mittelpunkt der Klaviersonate steht der abschließende Variationssatz von kantabler Innigkeit. Sein Thema ist rhythmisch an den alten Tanz der Sarabande angelehnt und ist erfüllt von einem schwebenden Fließen und Strömen. Es fällt armen Daniela ist im siebenbürgischen Fagaras (Rumänien) geboren. Entdeckt von Martian Negrea, wurde sie, im Alter von zehn Jahren, Jungstudentin bei Alfred Mendelssohn in Bukarest. Frühe Rundfunk- und Fernsehauftritte folgten. Ein Stipendium führte sie 1968 nach Wien zu Roland Raupenstrauch (Klavier) und Willi Burghardt (Komposition).

Nach den jeweiligen Examina wirkte sie bis 1975 für zwei Jahre als Dozentin im Hauptfach Klavier am Wiener Konservatorium. Kontakte zu Claudio Arrau, Jörg Demus und Paul Badura-Skoda sowie Studien bei Viola Thern und an der Hochschule der Künste in Berlin (Gerhard Puchelt und Helmut Riebensam) vervollkommneten ihre Ausbildung in den Folgejahren.

Seit 1979 wohnt und wirkt Carmen Daniela im Kölner Raum. Nach mehreren Sta-tionen leitet sie seit 1982 eine Klasse im Hauptfach Klavier an der Robert-Schumann-Hochschule in Düsseldorf. Bekanntgeworden ist sie zudem als Gastinterpretin auf zahlreichen nationalen und internationalen Musikfesten im In- und Ausland, schließlich auch als Intendantin der "Internationalen Musikfestwochen in Burgen und Schlössern", die jährlich mit über 50 Veranstaltungen in Nordrhein-Westfalen durchgeführt werden. Außerdem leitete sie mehrere internationale Meisterkurse in Europa und Asien, darunter auch zum 250. Geburtsjahr von Joseph Haydn einige Haydn-Interpretationskurse und 1985 einen bedeutenden Bach-Händel-Scarlatti-Meisterkurs, dem sich ein Klavierwettbewerb für junge Pianisten anschloß. Neben zahlreichen Aufnahmen in Rundfunk und Fernsehen hat sie u.a. das gesamte Klavierwerk Joseph Haydns auf Schallplatte eingespielt.

"Die schönsten Trios der Wiener Klassik" Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart,

Ludwig van Beethoven - GJ 2008

Carmen Daniala Klavier, Christiane Edinger Violine, Barbara Marcinkowska Violoncello